HORACIO.A.ROSETE.BRIGNOLE: Vanguardia del arte uruguayo de los años 20

HORACIO A. ROSETE BRIGNOLE

Artista salteño, según sus propias palabras: De profesión Artista, de oficio: Abogado" - "Nací en Salto, departamento del mismo nombre, en la República Oriental del Uruguay, un viernes 13 de julio del año 1926.- En plena "cuchilla", en éste departamento soleado donde las naranjas son mas rojas y mas dulces, y en el que las mujeres tienen las mas bellas pantorrillas, gracias a la topografía del terreno en que transitan. Por si Uds. no lo saben, mi país queda al Este del Río Uruguay, haciendo esquina con el Río de la Plata, al decir de Maggi. No tenemos problemas de razas, ni de religiones; no quedan mas indios.- Bernabé mató los últimos en el "Tacuabé", en el siglo pasado.- Somos pobres, pero... no tanto. Desde 1904 no tenemos guerras ni revoluciones.- La guerrilla "Tupamara" de los años sesenta fue una "revuelta de melenudos". Mi padre era dentista y mi madre, una de las mujeres mas hermosas. Mi tío-abuelo me regaló un pony alazan-ruano, y desde siempre me hice amante de los caballos. A los seis años garabateaba caballos, y por mi aficción al dibujo, me pusieron una maestra particular que me enseñó a hacer orejas como realmente son las orejas. Desde que mi madre pintaba al mejor estilo "Colegio de las Hermanas", dio en mis manos su caja de óleos y pinceles. Así nació mi vocación. María del Cármen, una fámula cálida, ayudante de mi padre, me inició en el gusto por las mujeres. Por no se qué razón me hice abogado, profesión que, a regañadientes, terminé ejerciendo con gusto y placer. Mientras cumplía los cursos académicos en la Facultad de Derecho, transité talleres y maestros: Lucas Gaffre, Milans Martínes, Cúneo, Pratti, Pareja .... y muchos libros. En 1948, envié un cuadro al Salón Nacional y me otorgaron "Carnet de Expositor". Desde entonces no he podido dejar de pintar. Como desde siempre fui muy enamoradizo, tuve muchas mujeres.- Tal vez amé a una sola.- Pero las cosas no fueron fáciles, ni se deslizaron tan lindamente.- Aún no lo son. Aprendí que el hombre tiene cinco sentidos que lo relacionan con el mundo exterior, que interactúan entre sí y degustan ese mundo.- Que su mente piensa, y que aún lo hace cuando no sabe que piensa, y que con su imaginación y sus crisis, se proyecta, racionalizando sus instintos de "primate": territorio, jerarquía, poder, sexo y amistad-enemistad con el grupo. Aprendí que el "órden" rige aún en el "caos" y que la impronta de un trazo y el color de un plano, signan un mensaje con sólo una ojeada. Aprendí que el mundo es bello, que la persona importa que lo mas mágico es vivir, vivir en libertad también, que es hacer y pensar lo que a uno se le ocurra, siempre que, al decir de Vaz Ferreira, que el sujeto haga y piense lo que debe. Mi compromiso es conmigo mismo y termina cuando yo termine." Falleció en el año 2000

sábado, 16 de octubre de 2010

Vanguardia del arte uruguayo de los años 20

La muestra "Planismo: renovación pictórica y energía creativa" reúne obras de un estilo que fue expresión de las ideas de vanguardia generadas en el ámbito del Círculo de Bellas Artes.

La nueva exposición presentada en el Museo Zorrilla, con curaduría de Alicia Haber y apoyo de la Fundación Itaú, tiene un carácter íntimo, tanto por el tamaño de la sala, como por el acotado número de obras de pequeño y mediano formato. Un hecho destacable es que las obras, cerca de una docena de óleos pintados sobre tela o cartón, provienen de colecciones privadas, por lo que la presente es una oportunidad única para que estas obras puedan ser apreciadas por el público.

El denominador común de las obras es el estilo, el denominado planismo, caracterizado por un tratamiento plano de los colores (sin marcados efectos de volumen), una paleta luminosa dominada más por matices que por colores primarios, y una perspectiva sólo insinuada, lo que lleva a que los motivos parecen encontrarse prácticamente en un mismo plano.

Los artistas representados en la exposición son Carmelo de Arzadun, Domingo Bazzurro, Miguel Benzo, Andrés Etchebarne Bidart, María Rosa de Ferrari, Guillermo Laborde, Melchor Méndez Magariños, César A. Pesce Castro y Alfredo Sollazzo. Obras de dos planistas reconocidos como Petrona Viera y José Cuneo (su pintura anterior a la serie de las lunas y los ranchos) no se incluyeron debido a que anteriormente han sido mostradas en exposiciones individuales en el Museo Zorrilla.

El más reconocido de los artistas representados es Carmelo de Arzadun, que realizó obras planistas antes de comenzar la etapa en que motivos de la costa uruguaya fueron su tema principal. Son mostradas tres obras de Carmelo De Arzadun: dos de pequeño formato, en las que la composición de los paisajes urbanos está basada en franjas de color horizontales, sólo interrumpidas por la verticalidad de algunos árboles.

De Laborde y Bazzurro, ambos profesores durante muchos años en el Círculo de Bellas Artes, se muestran un retrato de mujer sin título de 1916 y Cantera en chacra de La Paz (sin fecha) respectivamente. En esta última, las manchas de color, sin dibujo previo, evocan la naturaleza sin atarse al naturalismo.

En algunas de las obras mostradas las características del planismo muestran ciertas diferencias en el grado de figuración. Mientras que la pequeña pintura sin título de Miguel Benzo es un paisaje de costa muy cercano a la no figuración, Lavanderas de Méndez Magariños y la obra sin título de de Ferrari se ubican en el otro extremo de la escala, con grupos de figuras humanas al aire libre cuyo tratamiento es más realista.

Los motivos de los restantes trabajos son paisajes, tanto de costa como urbanos. El Palacio Legislativo de Sollazzo muestra el edificio como un gran volumen blanco que se destaca del entorno de casas bajas. De los tres paisajes de Etchebarne Bidart, el de mayor formato muestra un entorno suburbano de fábricas, mientras que Puente de Carmelo de Pesce Castro está dominado por un puente de hierro que se impone frente a una hilera de casas bajas.
Un movimiento estético nacido en el Círculo de Bellas Artes

El Círculo de Bellas Artes fue fundado en 1905 por el pintor Carlos María Herrera, que fue docente y director de la institución hasta su fallecimiento en 1914. En una siguiente etapa, algunos de los principales docentes del Círculo fueron Guillermo Laborde (maestro de Petrona Viera), Domingo Bazzurro y Vicente Puig.

El planismo, que se impuso en el Círculo, tuvo sus raíces en el arte de colores planos de Paul Gauguin y otros de sus contemporáneos, corriente que fue conocida por los artistas, entre ellos varios uruguayos, que viajaban a estudiar a Europa con ayuda de becas estatales. Entre los numerosos artistas que estuvieron vinculados y estudiaron durante distintas épocas en el Círculo, que sería el centro de la vanguardia artística de los años 20 y 30, se contaron (además de los ya nombrados De Arzadun, Etchebarne Bidart y Pesce Castro) Gilberto Bellini, Norberto Berdía, Carlos Alberto Castellanos, José Cuneo, Bernabé Michelena, y Carlos Prevosti, entre muchos otros.
El País Digital

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Muestra de Alfredo Zorrilla a veinte años de su muerte

La exposición reúne 18 obras en el Museo Zorrilla

CARLOS REYES

Mañana, a las 19.30 horas, en el Museo Zorrilla (José Luis Zorrilla de San Martín 96, Punta Carretas) se inaugura una exposición con 18 obras del pintor Alfredo Zorrilla, conmemorando los 20 años de su muerte.

La muestra, que se puede visitar hasta el domingo 18 de abril, de 14 a 18 horas, está organizada por José Luis y Luis Ignacio Gomensoro, con la participación la hija del pintor, Francisca Zorrilla, y el curador de la exposición, Marcelo Ruvertoni.

Zorrilla nació el 10 de abril de 1927 en las afueras de Montevideo, en una quinta familiar. Autodidacta, el pintor supo sacar partido a esa ausencia de enseñanza formal en el terreno de la plástica. "Al no haberme formado en ninguna academia, no tengo esa horrible limitación férrea a la que la mayoría de los plásticos están inscriptos. Es una maravilla sentirse libre".

Y efectivamente, al mirar la pintura de Zorrilla se nota ese sentido de libertad, que también se expresa en la temática. Reuniones familiares, orquestas, guitarreadas, un grupo de remeros, un paseo por el parque: los temas que trabajó expresan tranquilidad, diversión, ganas de vivir.

El recurso queda subrayado por el uso de colores planos y los juegos entre las superficies claras y las oscuras, además de una característica que lo hace inconfundible: la ausencia de rostros. Con esa estética que tiene algo del arte naif, Zorrilla plasmó un mundo de generaciones pasadas, concretando con una técnica propia imágenes del Novecientos, con los hombres de galera en el hipódromo o la familia posando en el parque.

Las obras que se exponen en esta muestra son óleos sobre tela, unos de tamaño superior al metro de lado, y otras de formatos más pequeños. En ellos Zorrilla comunica distintas dinámicas: unas veces expresó la quietud de la vida familiar burguesa, otras el vértigo de una orquesta de tango o de los tranvías cruzando por la ciudad. Otras veces capta en una sola tela los contrastes entre la naturaleza y los códigos sociales, las maneras educadas y las muestras de cortesía.

"Por el lado paterno, la familia le vino con un pincel en la mano. En la familia de su abuelo no había nadie que no pintara o dibujara. El propio Juan Zorrilla de San Martín fue pintor. En su museo de la calle Ellauri hay una pinacoteca pintada por él. Su tío Pedro, hijo de Juan, fue pintor futurista. Su tía Maruja era una retratista cuyos cuadros de Tristán Narvaja y Pablo de María están en la Facultad de Derecho. Su esposo, Raúl Montero Bustamante también fue pintor. José Luis Zorrilla descolló como escultor a niveles excepcionales, pero fue también un pintor de categoría y un dibujante decididamente fuera de serie", anota José Luis Gomensoro.

También señalan los organizadores de la muestra que así como Pedro Figari pintó los salones federales que seguramente no llegó a conocer, Zorrilla pinta el universo social de sus padres, las reuniones, los usos y costumbres, la moda y los bailes.

"Aunque parezca al servicio de un tema, la pintura de Zorrilla, como la de Figari, supera la anécdota, y se ubica por encima de ella. Y por culpa de un elemento fulgurante accede a ese privilegiado terreno en donde un pintor se convierte en imagen de su pueblo, como un poeta en voz de su pueblo", remata el autor del catálogo.